Au cours de son incroyable carrière, Thelonious Monk a été le pionnier d'une approche percussive unique du piano et a écrit plusieurs standards du jazz.
Né à Rocky Mount, en Caroline du Nord, Thelonious Monk est sans aucun doute l'une des figures les plus importantes - et controversées - de l'histoire du jazz. Bien qu'il ait été un pionnier de la percussion au piano et qu'il ait développé un langage musical particulier que certains avaient du mal à comprendre, sa plus grande réussite a été d'écrire plus de 70 chansons mémorables, dont plusieurs sont devenues des standards du jazz.
Monk s'est d'abord fait connaître aux côtés du saxophoniste alto Charlie Parker et du trompettiste Dizzy Gillespie, à l'avant-garde du mouvement bebop à New York au milieu des années 1940. Dans l'ensemble, le bebop était une musique de haute voltige portée par l'athlétisme virtuose de Parker et de Gillespie, mais Monk, qui était l'aîné de la sainte trinité du bop, a créé son propre univers musical distinct, défini par des chorus chromatiques excentriques, des notes dissonantes inquiétantes et, dans l'ensemble, des tempi beaucoup plus lents. Compte tenu des caractéristiques radicales et hautement stylisées de sa musique - qu'il a imprimées sur ses tout premiers enregistrements pour le label Blue Note en 1947 - Monk a rencontré plus d'opposition de la part de l'establishment du jazz que Parker et Gillespie. "Il ne sait pas jouer. Il a deux mains gauches", voilà comment un disquaire new-yorkais réagit au jeu de piano de Monk. Blue Note, cependant, a salué son protégé comme un génie et a contribué à attirer l'attention des médias en le présentant comme un mystérieux franc-tireur.
Bien que les tentatives du label de faire entrer Monk dans le courant dominant du jazz aient échoué, au fil des années 50, des passages fructueux chez Prestige et Riverside ont fait du pianiste l'une des figures majeures du jazz moderne. En 1962, lorsque Monk a signé chez Columbia Records, il a connu la plus grande exposition de sa carrière. Pour ceux qui écoutent Monk pour la première fois, il peut être difficile de trouver un point d'entrée pratique dans sa musique, d'autant plus qu'au cours de ses 24 années de carrière discographique, il a réalisé plusieurs enregistrements en studio de la plupart de ses compositions phares. Mais les 20 sélections présentées ci-dessous constituent une introduction parfaite à un génie de la musique moderne.
Blue Note Foundations
(Round Midnight ; Ruby, My Dear ; Well, You Needn't ; Epistrophy ; Criss Cross ; Straight, No Chaser)
Thelonious Monk a passé cinq ans chez Blue Note (1947-1952) et, bien qu'il s'agisse d'une période fertile sur le plan créatif qui a donné lieu à quinze singles 78 tours et deux LP, aucun de ses enregistrements ne s'est bien vendu. Mais c'est sur le label d'Alfred Lion que Monk a jeté les bases de son style singulier et enregistré nombre de ses chansons les plus importantes, dont sa création la plus grande et la plus populaire, "Round Midnight", un nocturne lent et évocateur qui se distingue par une mélodie fumeuse et sinueuse. Monk a enregistré cette chanson pour la première fois avec un sextuor en 1947 sous le titre "Round About Midnight". Depuis, elle a été reprise par tous, de Miles Davis dans les années 50 à Amy Winehouse dans les années 2000. Elle a même la particularité d'être la composition de jazz la plus enregistrée de tous les temps et a donné son nom à un film, celui du réalisateur Bernard Tavernier en 1986 sur un musicien de jazz américain (joué par Dexter Gordon) vivant en Europe.
"Round Midnight" a montré que Monk était un auteur de ballades exceptionnel, mais ce n'était pas un cas unique, comme l'a clairement démontré l'exquise "Ruby, My Dear". La version en trio de Monk, datant de 1947, s'ouvre sur une cascade descendante de sons entiers, un embellissement caractéristique de la boîte à malices du pianiste.
Ruby My Dear
Monk pouvait également produire des chansons qui se balançaient avec un groove qui faisait taper du pied de façon compulsive. L'enregistrement de 1947 de "Well, You Needn't" souligne son éthique de faire swinguer joyeusement une chanson, tandis que son crochet mélodique infectieux montre que malgré sa réputation d'iconoclaste avant-gardiste, Monk pouvait écrire des airs accessibles. Un autre chef-d'œuvre de Monk, "Epistrophy", coécrit avec le batteur bebop Kenny Clarke, a été enregistré pour la première fois en 1948 avec un groupe comprenant le futur vibraphoniste du Modern Jazz Quartet, Milt Jackson, et est rapidement devenu une chanson incontournable du répertoire de Monk.
"Criss Cross", enregistré en 1951, est également très rythmé, grâce au groove propulsif du batteur Art Blakey. Cette chanson souligne le penchant de Monk pour les mélodies anguleuses et l'assaisonnement de ses harmonies avec des notes discordantes. Enregistré la même année, "Straight, No Chaser" - autre quintessence de Monk que le pianiste revisite fréquemment - montre comment un blues orthodoxe à 12 mesures peut être radicalisé par des mélodies chromatiques envoûtantes.
(Blue Monk ; Nutty ; Pannonica ; Ba-lue Bolivar Ba-lues-Are ; Trinkle Tinkle ; Rhythm-A-Ning)
Comme "Straight No Chaser", "Blue Monk" - enregistré pour la première fois sur le disque Prestige LP Thelonious Monk Trio de 1954 - éblouissait par son architecture prismatique complexe, mais était construit sur une structure blues à 12 mesures relativement simple. Après "Round Midnight", c'est la deuxième version que Monk a enregistrée.
Un autre morceau populaire du répertoire de Monk est le morceau encore plus accrocheur "Nutty", initialement enregistré en 1954 avec un trio pour l'album Prestige, Thelonious Monk Plays. Son solo de piano, qui suit de près le thème mélodique de la chanson, révèle à quel point Monk était différent des pianistes de bebop techniquement éblouissants comme Bud Powell ; au lieu de produire un torrent de passages de piano liquides, son improvisation est très fragmentée, avec de longues pauses séparant les mélodies percussives de la main droite des itérations chunky chordal du thème.
Nutty
En 1955, Monk rejoint le label Riverside du producteur Orrin Keepnews pour entamer la phase la plus satisfaisante de sa carrière. Le point culminant de cette période est sans doute l'album de 1956, Brilliant Corners, avec les saxophonistes Sonny Rollins et Ernie Henry, le bassiste Oscar Pettiford et le batteur Max Roach. C'est à cette occasion qu'est créée la magnifique ballade "Pannonica" de Monk, qui joue du célesta et du piano sur cet air rêveur inspiré par son amie et protectrice, la baronne Pannonica "Nica" de Koenigswater. Elle est également la muse d'une autre belle ballade lente de l'album, "Ba-lue Bolivar Ba-lues-Are" (alias "Bolivar Blues"), dont le titre fait référence à l'hôtel Bolivar de Manhattan, la résidence de Nica à l'époque.
Un an plus tard, en 1957, le géant du saxophone, John Coltrane, rejoint le groupe de Monk pour une courte période ; ils ne feront qu'un seul album studio ensemble (Thelonious Monk With John Coltrane) mais, comme le montre l'excentrique et complexe "Trinkle Tinkle", les deux géants du jazz ont créé une alchimie musicale en combinant leurs formidables talents.
Le penchant de Monk pour les saxophonistes techniquement doués a conduit le titan ténor Johnny Griffin à rejoindre son quartet en 1958. Ils ont été enregistrés en direct au Five Spot Café de New York sur deux albums de compilation, Thelonious in Action et Misterioso. Thelonious in Action comprend une version incendiaire du classique de Monk "Rhythm-A-Ning", un morceau entraînant que le pianiste a enregistré pour la première fois en studio en 1957 avec Art Blakey & The Jazz Messengers.
Excursions de Thelonious Monk au piano en solo
(April In Paris ; Just a Gigolo ; Lulu's Back In Town ; Sophisticated Lady)
Thelonious Monk a réalisé quatre albums de piano non accompagné au cours de sa carrière, en commençant par Piano Solo, enregistré à Paris en 1954 comme projet unique pour une société française. Mais l'une de ses incursions en solo les plus célèbres est Thelonious Himself, enregistré trois ans plus tard, qui mêle des morceaux écrits par lui-même à des standards du jazz. La version de Monk de la ballade "April In Paris", tirée de cet album, est particulièrement saisissante ; la façon dont il a dentelé la mélodie et l'a ré-harmonisée révèle comment il a appliqué ses caractéristiques musicales caractéristiques à la création d'un autre musicien. Il convient également de noter son interprétation au piano solo, en 1963, du tango autrichien populaire des années 1920, "Just A Gigolo", une chanson que les pianistes de jazz Fats Waller et Art Tatum ont d'abord retravaillée, mais que Monk transforme complètement pour refléter sa propre psyché musicale.
April In Paris par Thelonious Monk, extrait de "Thelonious Himself".
Dans d'autres enregistrements pour piano seul, Monk a clairement indiqué comment il fusionnait le style stride hautement rythmique popularisé par des musiciens de Harlem comme James P. Johnson dans les années 1920 avec une conception beaucoup plus moderne de la mélodie, de l'harmonie et de la mesure ; un bon exemple est fourni par l'intro enjouée au piano de son interprétation en 1964 de la chanson des années 1930, "Lulu's Back In Town", qui est parsemée de chocs harmoniques grinçants mais presque humoristiques.
Bien que Monk soit l'un des plus grands compositeurs de l'histoire du jazz, comme le révèlent les deux chansons ci-dessus, il était également un habile interprète des standards du jazz. Il a enregistré deux albums consacrés à des chansons d'autres auteurs ; l'un d'eux, enregistré en 1955, rendait hommage à la musique de Duke Ellington et comprenait un remodelage typiquement monkien de la ballade à feuilles persistantes "Sophisticated Lady".
Une plus grande renommée dans les années 60
(Evidence ; Bye-Ya ; Green Chimneys ; Ugly Beauty)
La signature de Thelonious Monk chez Columbia Records en 1962, où il rejoint une liste comprenant les poids lourds du jazz que sont Miles Davis, Dave Brubeck et Duke Ellington, permet à sa musique de toucher plus de gens que jamais auparavant. Il a pu parcourir le monde et se produire sur les plus grandes scènes, et en 1964, la preuve que Monk n'était plus une figure underground a été confirmée lorsque son portrait a fait la couverture de l'influent magazine américain Time.
Mais les années 60 sont une période de consolidation pour le pianiste/compositeur, qui offre principalement des versions rafraîchies de chansons plus anciennes ; certaines sont reprises dans un contexte de grand ensemble, comme les remaniements palpitants en big band des numéros uptempo, "Evidence" et "Bye-Ya", tous deux enregistrés en tournée en 1963. Parmi les nouvelles chansons que Monk a lancées dans les années 60, "Green Chimneys", un swing optimiste, et "Ugly Beauty", une valse triste mais élégante, ont montré que le compositeur pouvait encore écrire de la musique fascinante. Pourtant, alors que les années 60 deviennent les années 70, son pouvoir créatif décline rapidement avec la progression d'un trouble bipolaire non diagnostiqué.
Laideur de la beauté
Thelonious Monk est mort en février 1982, 11 ans après son dernier enregistrement en studio, mais depuis lors, sa cote a augmenté de façon exponentielle ; en 1993, il a remporté un Grammy Lifetime Achievement Award et deux ans plus tard, son visage est apparu sur un timbre-poste américain. D'autres distinctions ont suivi : le Thelonious Monk Institute of Jazz a été fondé à Los Angeles en 1986 et, exactement deux décennies plus tard, Monk a reçu le prix Pulitzer à titre posthume. Son nom est également resté dans l'esprit du public grâce à une pléthore de rééditions, de rétrospectives, d'albums d'hommage et d'enregistrements live inédits, dont le dernier, Palo Alto, paru en 2020 et acclamé par la critique, montre le groupe de Monk jouant dans un lycée en 1968.
Avec leurs mélodies anguleuses et leurs surprises harmoniques, ces morceaux de Thelonious Monk capturent l'essence idiosyncratique de leur créateur, un génie musical souvent incompris de son vivant. Bien que Monk ait enregistré la plupart de ces morceaux plusieurs fois, il ne les a jamais joués deux fois de la même manière, ce qui est non seulement révélateur de la nature improvisée du jazz, mais aussi de l'individualisme du pianiste, dont le panache vestimentaire et le penchant pour les coiffures élégantes étaient presque aussi célèbres que sa musique révolutionnaire.
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